Oppenheimer tiene una banda sonora épica y en capas

Jun 05, 2023

Compositor y profesor de composición cinematográfica, Conservatorio de Música de Sídney, Universidad de Sídney

Alison Cole no trabaja, consulta, posee acciones ni recibe financiación de ninguna empresa u organización que se beneficiaría de este artículo, y no ha revelado afiliaciones relevantes más allá de su nombramiento académico.

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La película biográfica de Christopher Nolan sobre el científico teórico Robert Oppenheimer, conocido como el “padre de la bomba atómica”, tiene una banda sonora épica.

Seguimos los primeros trabajos de Oppenheimer en Europa, el establecimiento del laboratorio de Los Álamos, la creación de las bombas atómicas lanzadas sobre Hiroshima y Nagasaki, su activismo posterior contra el desarrollo nuclear y sus repercusiones en su vida posterior.

La música y el diseño de sonido son fundamentales para contar esta oscura historia.

La partitura de Ludwig Göransson sumerge al público en el dilema emocional interno de un hombre a punto de desencadenar la destrucción potencial de la humanidad, mientras que el diseño de sonido ilustra flashbacks, fenómenos físicos y átomos chocando entre sí.

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El sonido de las películas de Nolan es característicamente fuerte y deslumbrante, acompañado de partituras musicales épicas. La partitura de Oppenheimer pasa de lo gentil y personal a un espectáculo sonoro imponente que aumenta la intensidad de la trama.

El violín forma la base de la partitura. Desde el tema inicial de la película, la capacidad del violín para pasar de una calidad de sonido (o timbre) inquietantemente hermosa a una melodía chirriante descendente y a un tono susurrante íntimo nos lleva al intenso dilema interno de Oppenheimer.

El violín es apropiado para representar un personaje tan complejo e intenso.

La partitura de Göransson se basa en técnicas interpretativas con un rico legado cinematográfico y de sala de conciertos.

En Psicosis, el chirrido breve y agudo de los violines tocados en grupos repetidos acentúa la tensión creciente. Esto se repite en Oppenheimer: para subrayar las imágenes de los átomos girando, Göransson superpone capas de armónicos en cuerdas en un crescendo creciente de energía temblorosa.

En el réquiem (una misa de muertos) Lacrimosa de Mozart, la inquietante simplicidad de la melodía inicial interpretada por los violines se siente cruda e inmediatamente atrae al oyente. Aquí, cuando los científicos se enteran del bombardeo de Japón, el violín toca un dos- nota la melodía. Esta sencilla composición contiene la enormidad de la situación.

El violín es un instrumento sin trastes, que permite técnicas de interpretación tradicionales que incluyen armónicos y vibrato.

Los armónicos son un armónico que se escucha cuando colocas el dedo suavemente sobre la cuerda y tocas con el arco del violín. Al no empujar la cuerda hacia el diapasón, la cuerda vibra a ambos lados del dedo para crear un silbido.

El vibrato son las pequeñas fluctuaciones en el tono causadas al mover el dedo desde la muñeca o el brazo para crear calidez y expresividad en la interpretación.

En esta partitura, Göransson también emplea técnicas no tradicionales como golpear el cuerpo del violín con el arco.

Cuando estas técnicas de interpretación tradicionales y no tradicionales se combinan, la yuxtaposición crea tensión entre las cualidades sonoras cálidas y más frágiles del violín.

Una escena en el aula ejemplifica la calidad del sonido lírico de los violines que se construyen en números. Cuando Oppenheimer está solo, toca un violín. Cuando tres personas se unen a él, tres violines se unen a la composición. A medida que el aula se llena, y a medida que crece su entusiasmo por hablar sobre física cuántica, toda la orquesta se construye.

Los violines cambian a cuerdas tensas interpretando diversos patrones rítmicos y técnicas de interpretación. Estos se combinan con instrumentos electrónicos que fluctúan musicalmente entre la esperanza, la ansiedad y la desesperación.

A medida que avanza la escena, los cuernos suenan como una advertencia de la destrucción que se avecina.

La implacable música de Göransson aparece en aproximadamente dos horas y media de las tres horas de película. La combinación orquestal de piano y arpas acompaña los sonidos del mundo de Oppenheimer. Los pies pisando fuerte, los sintetizadores pulsando, los relojes haciendo tictac y la estática eléctrica de los contadores Geiger crean un mundo sonoro de tensión, temor y anticipación.

Göransson utiliza técnicas rítmicas como los tresillos (cuando se tocan tres notas en el espacio de dos) para aumentar la intensidad y crear ritmos cruzados crecientes durante la prueba nuclear Trinity.

Las capas de cuerdas que tocan armónicos y patrones rítmicos aumentan en intensidad para crear una impresión de impulso. Estas técnicas aportan una sensación de agitación, aumentan el drama y generan energía.

La música va ganando intensidad hasta el momento de silencio en el que se pulsa el botón: no hay vuelta atrás.

El silencio de la partitura es tan importante como la música misma.

Cuando Oppenheimer pronuncia su discurso después del lanzamiento de la bomba sobre Nagasaki e Hiroshima, cada comentario patriotero es seguido por un creciente aplauso y ruido. Cuando el sonido desaparece repentinamente, nos quedamos con sus palabras vacías.

Cuando la película sólo incluye el sonido “desnudo” del mundo en pantalla, sentimos la gravedad de la situación.

Cuando experimentamos construcciones dinámicas de anticipación en una partitura musical, nuestros niveles de dopamina aumentan naturalmente. El silencio repentino crea momentos de intensa concentración. El contraste entre la plenitud de la orquesta y el silencio nos sumerge en el mundo. Experimentamos una liberación emocional.

El silencio nos impulsa a una sensación de tiempo suspendido: un recordatorio casi ensordecedor de la humanidad a través del uso de sonidos humanos cercanos e íntimos. Es una de las características más potentes utilizadas a lo largo de la película de tres horas.

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